domingo, 26 de noviembre de 2017

LA ILUMINACIÓN EN 'LA AUTORA DE LAS MENINAS'

Por último, la obra a analizar es ‘La autora de las Meninas’ de Ernesto Caballero, junto a él, Paco Azorín es el encargado de la iluminación.



comparación con las otras dos obras analizadas anteriormente, esta no es tan grande y espectacular a priori pero la sensación final fue muy buena. También cabe destacar los diferentes teatro que se han analizado en esta sobras, de ser los dos anteriores grandes instalaciones de ciudades como Madrid o Londres a esta obra en el auditorio de León.

Gracias al siguiente vídeo se pueden apreciar las características que se explican a continuación.



Gracias a su escaso decorado que constaba de una escalera, una silla, un banco central, una mesa y tres pantallas electrónicas y sólo la actuación de tres personajes le daban a la iluminación un poder principal. La calma o la tensión que los actores nos transmitían a los allí presentes eran acompañadas en todo momento por un tipo de luz dependiendo del requerido en cada momento.

Además, aunque aparentemente no se aprecie, en la obra existe una gran evolución del personaje principal, en este caso interpretado por Carmen Machi, que en todo momento va de la mano de la luz. En sus momentos en los que esta monja cambiaba de personalidad la cantidad de luz, la intensidad y el color cambiaban, pasando además de una luz uniforme a luces que aparecían y desaparecían creando una gran tensión. Muy importante la capacidad de aislamiento de las luces cada vez que uno de los personajes intervenía o en los mónologos de la protagonista.




En este vídeo (minuto 3:09) se aprecia como la luz cambia coincidiendo con el comienzo de la acción de la actriz, que era empezar a dibujar el cuadro.

OPINIÓN PERSONAL

El trabajo sobre la iluminación en el teatro ha finalizado aquí. En el he intentado ir de lo más global, a los más particular. He creído que sería una buena opción analizar los vídeos de diferentes profesionales del sector y algunas de las obras que yo he podido ver en directo y apreciar en que momentos eran más destacados los usos de la luz.
Con todo esto he aprendido la importancia de la iluminación, lo que nos pueden estar diciendo sin necesidad de la palabra y la cantidad de opciones que oferta este medio.

WEBGRAFÍA


sábado, 25 de noviembre de 2017

LA ILUMINACIÓN EN EL FANTASMA DE LA ÓPERA

El fantasma de la ópera es uno de esos eventos culturales a los que si se tiene la oportunidad de ir no se puede dejar escapar y es que además de su alto contenido cultural, no hay detalle que se les escape. Es posible que la cantidad de años que lleva en activo ayude a mejorar cada día un poco más y que la carga musical supere a todas las demás ya que aunque estemos ante un teatro musical hay mucho peso de ópera.


La iluminación es aquello que nos interesa. Se trata de una obra en la que gran parte de sus actos están caracterizados por su falta de luz debido a que en su guión prevalecen los lugares tenebrosos.  Aun así, hay que tener en cuenta la forma de iluminar esas escenas, ya que adquieren un alto grado de complejidad y las de alta carga lumínica. Hay grande contrastes en esta obra. En el siguiente vídeo se pueden ver trozos de diferentes actos y la diferencia entre unos y otros.



Una de las características importantes a tener en cuenta es la falta de luz eléctrica que en la época en que esta obra está basada no existía, por lo que se hacía mediante velas. Para pasar esto a escena, la iluminación debe de ser tenue y un poco anaranjada. Además, prácticamente no hay ventanas en las habitaciones en donde transcurren los hechos, lo que suma a la ambientación de penumbra. Dichos edificios mantenían tamaños impensados y la imposibilidad de grandes medios de iluminación hace que los personajes se desconcierten reduciendo un sentido importante para su defensa y así transmitir a los espectadores dicha vulnerabilidad.



Una de las escenas que más recuerda a la obra y que a la vez más llama la atención del espectador es la de la barca. La iluminación aquí, aunque parezca inexistente, tiene un papel muy importante. Con ella se consigue la sensación de peligrosidad que está viviendo la protagonista mediante una luz tenue y azulada. Además este color te transmite la frialdad de la escena.

En cambio, otro de los grandes momentos de esta obra es la subida de la grandiosa lámpara al principio de la obra, que consigue iluminar todo el teatro. Así dice la escena:

“Pieza es de colección/ Los detalles como ella explicó:/ella a menudo habló de ti (…)”
Era el lote 665. Acto seguido, el subastador habla y la música se torna más siniestra aún:
“Lote 666: una lámpara en piezas. Algunos de ustedes quizás recuerdan la historia del fantasma de la ópera: un misterio nunca explicado por completo. Se nos ha dicho, damas y caballeros, que este es el mismo candelabro que causó el famoso desastre. Nuestros talleres lo han restaurado y han reparado algunas de sus partes para que pueda funcionar con luz eléctrica y nos hagamos una idea aproximada de cómo era cuando funcionaba. Quizás ahuyentemos al espectro de hace tantos años con un poco de iluminación. ¿Caballeros?”

Tras estas palabras, la tela que cubre la lámpara sale volando y el candelabro se va encendiendo con gran intensidad. Se produce un cambio radical, de una luz oscura y tétrica a un alegre colorido que hace trasladar al espectador a un pasado.

WEBGRAFÍA


https://www.youtube.com/watch?v=65W1kmLITWY&list=PLgWsqxRAGugvFj8LB7p0ZISZnhNpD21It
https://www.youtube.com/watch?v=H3P62ww_xrQ


LA ILUMINACIÓN EN EL REY LEÓN

Donald Holder es el Iluminador encargado de darle luz al musical de El Rey León. Es un diseñador de iluminación estadounidense de teatro, ópera y danza, nominado para doce premios Tony, ganando el Premio Tony de 1998 al Mejor Diseño de Iluminación, así como el Premio Drama Desk al Mejor Diseño de Iluminación para El Rey León entre otros muchos a raíz de su carrera.

En la siguiente charla TEDX Donald Holder habló sobre su profesión pero destaca en el segundo 0:47 una de las frases de su mentor Jennifer Tipton:

“My mentor said 99% of the audience and perharps humanity is unaware of the ligthting but a hundred percent is affected by it”

“Mi mentor dijo que el 99% de la audiencia y la humanidad no se da cuenta de la luz, pero un cien por ciento se ve afectada por ella”



En el año 2012, entre otros muchos premios, El Rey León se llevó en los premios del teatro musical el de mejor Diseño de Iluminación.

El musical del Rey León fue una de la primera gran producción a la que acudí, y por supuesto que me llamó la atención todos los detalles de la obra pero fui capaz de darme cuenta de la importancia de la iluminación y cómo esta puede guiarte y hacerte sentir y ver lo que el director e iluminador quieren sin darte cuenta.

Es conocida por todos esta historia y aquí podemos ver lo importante de la iluminación para darle sentido a cada una de las escena:



Este primer vídeo hace referencia al comienzo y con ello el amanecer de un nuevo día en la selva. Para ello es necesario pasar de la noche, un ambiente oscuro, solo iluminado por unas pequeñas parte de luz azulada relacionadas con la luz que proviene de la luna y un foco aislando al personaje principal de la escena para darle la importancia necesaria, a un amanecer, en el segundo 30,  donde predominan las luces cálidas del sol naciente. Poco a poco el clima en el escenario cambia de manera radical. Por ejemplo, en el 1’30’’ se aprecia la diferencia entre las luces cálidas de la escena con el foco blanco sobre Rafiki. Aquí, las funciones de ambas son diferentes, en una  crea una ambiente y lugar para que el espectador se sitúe y el segundo llama la atención del mismo.



Esta escena ocurre completamente en la noche, gracias a la iluminación que forma parte del decorado generando estrellas y los dos focos sobre los dos personajes principales (Mufasa y Simba) la escena está perfectamente planificada en este campo. En el segundo 40 las luces son suaves para ambos personajes. Comienza una acción que por lo que sabemos por conocimiento de la historia no conlleva tensión pero si es importante para el personaje principal (Simba) cuándo éste crezca. En cambio, una vez que los dos personajes se unen más, esa unión simbólica tan importante antes mencionada (min 1:48) hay solo un foco para ambos y con una luz más fuerte. Para finalizar, un suave apagado de todas las luces consigue dejar el teatro a oscuras.



Escena trágica de la obra. Para conseguir dicha tensión la iluminación debe correr un papel muy importante y se puede ver en el vídeo subido. Ya desde el segundo 10 los cambios de luces, las que aparecen y desaparecen y los tonos rojizos son claros ejemplos de la creación de angustia, peligro y tensión. En el momento en el que el pequeño descubre la muerte de su padre, minuto 2:20, las luces han dejado de parpadear pero el color rojizo sigue en escena tras ellos.



En esta última escena a analizar, el paso temporal es muy importante. Por una parte el paso del día, desde un amanecer rojizo (0:5), el paso del día (4:30) y un atardecer verdoso, frío (minutos 7). Pero además también es importante señalar que simbólicamente representa el paso de los años ya que al final con un contraluz el niño desaparece y aparece el adulto (min 6:40). La escena termina con los personajes totalmente en sombra.

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viernes, 24 de noviembre de 2017

JUAN GÓMEZ CORNEJO, ILUMINADOR

Juan Gómez Cornejo es uno de los iluminadores y directores técnicos más destacados de nuestro país.  Cuenta con tres premios MAX a la mejor iluminación en los años 2002, 2007 y 2009, Premio de la Asociación de de Directores de Escena en 2005, 2008 y 2010 y Premio nacional de teatro en 2011, siendo el primer iluminador en ganar este galardón.


Tiene una amplia lista de cargos y en la actualidad es el presidente de la Asociación de Autores de Iluminación. La cual también fundó y miembro de la Academia de las Artes Escénicas de España. Son innumerables sus trabajos tanto en teatro, en ópera y zarzuela y en danza.

El centro de documentación teatral publicó en 2016 dentro de ‘Figuras’ una entrevista a Juan Gómez Cornejo de la que  se puede aprender mucho sobre su profesión. En el nos habla tanto del trabajo de un iluminador cómo de algunas de sus experiencias personales en diferentes obras, por sus diferencias de época, de estilos o de complejidad.



En la primera parte del vídeo Juan Gómez nos explica lo importante que fue recibir el premio Nacional, no sólo personalmente si no porque era un paso muy para empezar a ser reconocida la profesión de técnico de iluminación y me parece un punto muy importante ya que se ha visto la importante y el juego de las luces en una escenificación aunque aparentemente la gente no le de importancia.

La mayoría de los que nos dedicamos a esto somos autodidáctas6:25. Es verdad que hay estudios para técnicos pero es muy complicado estudiar iluminación cómo tal y nuestro protagonista aboga por la existencia de estos estudios ya que es muy importante, además de saber la técnica, saber la historia y la base del arte.

A partir del minuto 8:40 al 11:50, nos cuenta los pasos a seguir para llevar a cabo un buen trabajo: 

1-      “Lo primero que tratas de asimilar es la historia, que sepas que querían contar con esa historia”, cuánto más sepas de la historia mejor.

2-      “Que quiere hacer el director con la historia”.  Puedes aportar tu visión pero esa visión debe ser la del director por lo que es muy importante la comunicación con esta figura.

3-      Reunión con el equipo artístico para todos dar su punto de vista.

4-      “Trascribir la idea a términos técnicos” es la hora de dibujar los planos lo más detallados posible para que los técnicos sean capaces de interpretarlos y llevar a cabo su trabajo.

5-      “Formar parte de los ensayos”, que pueden cambiar tu camino a raíz de que éstos vayan evolucionando.

6-      “Probar, ensayar, repetir, corregir”, para Juan Gómez esta parte es en la que el prefiere trabajar solo.


Otro punto a destacar es el minuto 22’40’’ dónde se habla de la relación con el director y como dice nuestro protagonista  “Tú te debes poner al nivel de los directores e intentar entenderles para poder mirar a través de sus ojos” ya que con tu trabajo estás transmitiendo sus deseos mediante la luz.

No sólo se habla sobre el trabajo del iluminador si no también se alaba el de los actores, por su (en el 24’25’’) por hacer cada día “la historia que le llega al público”. Por ello intenta no molestarles para llevar a cabo su trabajo, intenta acomodar las luces mientras ellos ensayan.

En el minuto 25 se habla de los medios necesarios, se necesita una buena herramienta para que el resultado sea mejor, en este caso los focos. Puedes tener este material y no ser la mejor propuesta pero si ayuda y “los LED no están siendo muy beneficiosos para el teatro” ya que aún no está muy desarrollado.

Hay una frase a mitad del video que resume muy bien lo que siente Juan Gómez sobre su trabajo: “La involucración no es solo profesional si no también personal”.



En este otro vídeo, se realiza una entrevista en la que nos habla de su vocación, nos ofrece los consejos que ya hemos visto anteriormente como “empaparte de la obra, saber la visión del director y envolverla”.

Nos da su opinión sobre las nuevas tecnologías y su evolución en el 7:14, ya que si se debe estar al día y conocer, en este caso, las características que aportan los LED, aunque él “echará de menos” aquellas de incandescencia.


Este último vídeo es sobre uno de sus trabajos, en este caso “La Villana”.




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jueves, 23 de noviembre de 2017

ELEMENTOS Y PASOS NECESARIOS PARA LA ILUMINACIÓN

Es hora de tocar la parte técnica necesaria para la iluminación en un teatro, hablaremos sobre los elementos más comunes, su colocación y los procesos  necesarios para llevar a cabo el trabajo.

Algunos de los elementos más utilizados a la hora de iluminar una obra de teatro son:

Leko



Es un tipo de proyector elipsoidal que produce una luz dura y definida por lo que se suele colocar en la parte frontal. Además contiene un portamicas donde colocar láminas de recorte con los que producir efectos especiales, recortes de luz y cambiar el color.




Fresnel





Al contrario que el leko, el fresnel produce luz difusa. Su mayor ventaja es su pequeño tamaño, su fácil manejo y su peso ligero.







Diabla


Para la iluminación del fondo o del ciclorama es muy usada la tira de luces en batería.  Estas producen una luz suave y difusa.



Panorama


Al igual que el diabla, el Panorama se usa para la iluminación de fondos y cicloramas. Son lámparas con un reflector parabólico. La luz es muy brillante y concentrada pero su desventaja es la falta de control sobre el ángulo o el contorno del haz.





Dimmer

Es el encargado de regular el voltaje. En las producciones teatrales, ya sean pequeñas o grandes producciones, la cantidad de energía que se utiliza es muy alta por lo son necesarios estos elementos.



Mesa de control



Instrumento esencial para el operador para manejar, independiente o conjuntamente la intensidad de los reflectores.






A la hora de colocar los reflectores, estos sitios pueden ser las varas o varas lateral, en las torres o en los puentes.


Iván Espada nos enseña cómo forman a otros técnicos de iluminación y así nosotros podemos observar en un intervalo de un minuto cómo se trabaja detrás, en sala.



En los siguientes tres vídeos se muestran los pasos a seguir desde un principio por un técnico de iluminación:



Hay mucho trabajo previo a tocar la mesa y las luces y es que se debe conocer bien la obra. Este primer vídeo nos habla sobre la evaluación del escenario y los recursos de los que se dispone. Conocer bien el escenario en el que se va a representar la obra es muy importante para empezar hacerse una idea sobre que usar y donde colocarlo.



Este vídeo te propone la “Consideración del evento” como segundo paso a realizar. Es hora de analizar la obra al completo, los estados de ánimo, las localizaciones, la climatología… Tras tener esto claro, se empieza a considerar  que ángulos, posiciones y colores son mejores para transmitir lo anteriormente analizado.



Por último, y ahora sí, la instalación de la iluminación. Se recomienda hacer un primer dibujo del escenario para ir colocando sobre el mismo las luces y posición de cada una. Coloca las luces y conéctalas en el Rack de Dimmers y busca la posición adecuada junto con la intensidad.

La conclusión al ver estos vídeos es que el trabajo de un técnico de iluminación no es sólo colocar luces sino que hay un trabajo previo muy exhaustivo y estudiado para entender la obra y al director a la perfección.


WEBGRAFÍA


https://abcdanzar.blogspot.com.es/2013/03/iluminacion-teatral-conceptos-basicos.html
http://tecnologiateatral.blogspot.com.es/2009/04/lekolite-frecuentemente-abreviado-leko.html
https://www.youtube.com/watch?v=l8byQvpy-as

miércoles, 22 de noviembre de 2017

POSICIONES Y SIGNIFICADOS DE LA LUZ EN TEATRO

Con esta entrada se intenta enseñar las diferentes posiciones que puede adoptar la luz en el escenario y su simbología.

Dependiendo de la posición de la fuente de luz y de cómo incide sobre el sujeto u objeto deseado se habla de una u otra luz:

Luz frontal: Se sitúa frontal al escenario e ilumina la escena en general. Uno de sus problemas es que reduce la profundidad.





Luz lateral: Desde arriba, posición intermedia o al ras del suelo, las fuentes se pueden colocar desde diferentes puntos siempre y cuando den al elemento de manera lateral.




Luz cenital: Muy utilizado para general sombras o transmitir dramatismo, la luz cenital se toma de arriba abajo.


Contraluz: El personaje queda completamente iluminado por detrás generando una silueta en la escena. Si no queremos que se vea la cara del actor es la mejor elección.



Luz Nadir: Proyectada de abajo arriba. Se crean efectos de misterio o siniestro.



Dependiendo de las posiciones de luz elegidas el significado que se quiere transmitir al espectador será diferente, cada una tiene un papel diferente en escena, por lo que se debe elegir la luz deseada en cada momento.

Creación de un ambiente: Jugando con las tonalidades de los colores se pueden conseguir grandes sensaciones, tanto con luces frías (misterio o romanticismo) como con cálidas (tranquilidad). Consigues que el espectador se meta aun más en el papel.



Nos trasladan a lugares: A veces la iluminación puede sustituir al decorado en ciertas escenas. Por ejemplo, una zona oscura con un rayo de luz puede hacernos ver que estamos en un bosque, una cueva, un túnel o en una habitación entrando la luz por la ventana.



Fenómenos meteorológicos: Las luces son muy importantes para dar a conocer la climatología en escena. Las luces cálidas te dirán que estás viendo una escena con buen tiempo y las frías todo lo contrario.


Identificación de los personajes: por último y no menos importante, las luces pueden darnos mucha información de los personajes sin la necesidad de la palabra. Mediante el color o la intensidad pueden aislar personajes o caracterizarlos, asignándolos, por ejemplo como misteriosos o románticos.




WEBGRAFÍA

INTRODUCCIÓN A LA ILUMINACIÓN EN EL TEATRO

La iluminación en los espectáculos en directos y exclusivamente en el teatro es un tema que cada vez que asisto a uno me tiene en vilo y, es que, detrás de ese espectáculo de luces, hay un gran trabajo de organización y ejecución. Por esta razón, las siguientes entradas de ENTRE BAMBALINAS estarán dedicadas a indagar en ello, pasando de lo más general a algunos de los profesionales más destacados del panorama.


Se llama iluminación al aparato técnico que hace posible, en este caso, las condiciones lumínicas en un teatro. La luz es tan importante como por ejemplo el sonido o el atrezzo. Gracias a ello se puede transmitir tanto, que el espectador entienda el mensaje sin necesidad de la palabra.

La primera función es hacer visible el espacio escénico y lo que aparece en él. La iluminación es fundamental en la narrativa de la obra, marca tanto presencias como ausencias.

Cada persona interpretará la luz de una manera. La cultura está muy relacionada con las sensaciones que le trasmiten a cada espectador. A esto se le llama ‘código simbólico’.

Alfredo Medina nos explica en un sencillo vídeo que es un técnico de iluminación:


Minuto 0’ 10’’: Tras la definición de Alfredo Medina sobre lo que es un técnico de iluminación se aprende de la importancia que tiene esta persona de ser fiel a la obra original y a la vez hacer el mejor trabajo posible dependiendo del espacio disponible, es verdad que no será lo mismo representar una obra en un teatro de pequeñas dimensiones que la misma en otro más grande. Además son importantes sus dotes de comunicación para saber que transmitir, los conocimientos técnicos para saber el modo y la flexibilidad para poder adaptarse con  los demás trabajadores.

No se debe perder tampoco de vista de presencia del regidor, muy importante entre la parte técnica y la artística.

Alfredo Medina aconseja sobre la formación y anima a dedicarse a ello a pesar de la situación actual del teatro español, muy marcada por la crisis económica.

Minuto 2’35’’: “Siempre que pueda, el alumno debe acudir al teatro y ver la mayor cantidad de espectáculos posible, de todo tipo,  y ser crítico y reflexivo frente a su trabajo y el de los demás”.

Es hora de pasar a la práctica, ‘El Amor Brujo’ es una obra de Manuel de Falla que se ha estado interpretando en el Teatro Lara de Madrid. Luis Perdiguero es su director de Iluminación y en el siguiente vídeo nos explica su experiencia en este trabajo:

Además de poder visionar algunas de las escenas de ‘El Amor Brujo’ en las cuales se puede apreciar la importancia de la luz y el mimo con el que se cuida cada detalle aprendemos que, en el minuto 2’22’’, cualquier efecto de luz debe estar justificado por el baile y por la música.

En el minuto 2’55’’ se nos hace ver cómo este profesional debe estar trabajando durante todos los ensayos y puliendo su trabajo hasta casi el final.

WEBGRAFÍA:

CONCLUSIÓN

Para cerrar este bloque de entradas sobre la grabación de música digital en estudio y el Midi, se puede hacer una valoración global . L...